美术名词解释

1、审美是人类掌握世界的一 种特殊形式，指人与世界 （社会和自然）形成一种无 功利的、形象的和情感的关 系状态。审美是在理智与情 感、主观与客观的具体统一 上追求真理、追求发展，背 离真理与发展的审美，是不 会得到社会长久普遍赞美 的。审美教育 亦称美育或美感教育，是一 种通过美的教育而使人性 发展和完善的活动。审美教 育的基本内容是：通过具体 的审美活动而逐步培养人 的正确的美丑观、善恶观、 是非观、爱憎观，从而净化 人的心灵；逐步培养和提高 人鉴赏和创造美的能力，使 人的潜能得到更好的发挥。 审美教育的特点是寓教于 乐，在没有任何强制的过程 中潜移默化，最终达到人性 的逐步发展和完善。审美教 育不应仅仅局限于自然和 艺术领域，还应包括社会实 践，在社会实践中进一步培 养人和现实的审美关系。在 西方，柏拉图（Platon,公 元前 427公元前 347）、亚 里士多德（Aristoteles，公 元前 384公元前 322）开 始注意倡导审美教育；在近 代，对审美教育给予极大关 注的是德国美学家席勒（ JCFSchiller， 1759 1805），他认为要把人性 从自私和腐化中拯救出来

2、， 使人的感性冲动和形式冲 动（又称理性冲动）协调一 致，使不合理的社会变成合 理的社会，惟一的途径就是 通过审美教育。马克思主义 认为，审美教育并非获得人 性解放的最终条件，而是人 认识世界、改造世界和自身 的一个重要手段。因此，审 美教育对人的发展具有重 要的现实意义。 审美鉴赏力 是指人的一种历史地形成 的鉴别、认识和评价现实现 象和艺术品之美丑的能力， 亦称审美判断力。它是审美 主体（人）通过美的创造和 美的鉴赏而培养起来的一种 能力，具有社会性和个体性 差异。从社会性的角度说， 任何主体的审美鉴赏力都是 受到一定历史发展所提供的 可能性的制约，因而具有共 同的地方；但是由于主体的 生活经验不同、审美修养的 不同，审美鉴赏力又表现出 个体之间的差异性。它既是 依赖于个人审美趣味的单独 判断，同时又普遍有效。德 国美学家康德（ Immanuel Kant， 1724 1804 ）把它归 于“先天共通感”。但按照马 克思主义美学观，共同的审 美鉴赏力是同一社会关系的 产物。审美鉴赏力的培养和 发展，不但依赖于直接鉴赏 经典艺术品，而且还依赖于 社会实践，在实践中形成正 确的是非、善

3、恶、真伪、美 丑观念。 美术分类 美术是人类特有的精神产 品，是人类在长期认识和改 造世界的过程中，为了更好 地生存而以自然和 人造材 料，通过平面和立体的形式， 表达人类思想、情感和意识 形态的精神的物质化显现。 可以说，有了人类，就有了 美术。为了更好地理解美术， 人们做出了各种努力。由于 美术是由人创造并最终服务 于人类，所以自西方文艺复 兴时期开始，美术就被归入 人文学科，与自然学科并列。 在这其中，又由于美术的塑 造性而被称之为造型艺术， 与表演、诗歌、文学、音乐 等艺术并列。但“造型艺术” 这个概念也是有局限的，因 为像舞蹈、戏剧、艺术体操 等表演艺术也同样强调造型 性。于是，人们又根据各个 艺术门类在时间和空间上的 特点而把美术划分在“空间 艺术”的范畴之内。由于美 术既是一种具体的社会历史 现象又是流动的文化精神形 态，其中包含了丰富的美术 现象、美术形态和美术门类， 同时，美术的创作和鉴赏又 是复杂而开放的，与不同时 期、社会、历史、种族、文 化、观念、心理等有着千丝 万缕的联系，所以，从本质 上说，任何关于美术的定义、 概念和理论都是不完整的， 只是我们理解美术的参

4、照。 明暗 明暗是自然界中的 物理现 象，即物体因受光而产生明 暗上的变化。“明暗”在中国 传统中往往以“阴阳”来描 述，尽管“阴阳”原本是一 个哲学概念，但也可以用在 美术中来指事物一明一暗或 一黑一白两个对立统一的方 面。而在西方，在古希腊的 时候艺术家就已经有了关于 明暗的意识，但直到 14 世纪 文艺复兴时期西方艺术家才 开始对明暗进行了全面的研 究，并把它作为美术中重要 的语汇加以运用。尤其在文 艺复兴盛期意大利画家达 芬奇系统地提出了“明暗造 型法”之后，它就逐步成为 西方艺术中塑造形体及其立 体感和空间感的重要语言方 式了。但需要注意的是，中西方对 于“明暗”的认识是不同的， 因而其表现也就不同。西方 艺术是以绝对的观念来看待 明暗，因此事物必须“绝对 地”处于光线的照射之下， 其立体感、空间感和色彩的 变化由此而产生。而中国艺 术以“阴阳”的观念来看待 事物，因此其明与暗也是相 对的，它较之西方艺术中的 明暗关系就更加自由。这样， 明暗作为一种语言方式就形 成了中西两种不同的语言面 貌。空间 空间也是事物客观存在的一 种自然状态，一切事物不论 大小都具有一 个生存的独

5、立空间，它在物理上具有三 维性（即长、宽、高，或者 说上下、左右、纵深）特征， 但在美术作品 （尤其是绘 画）中却因为艺术家的主观 表现而具有多维性。一般来 说，绘画的空间是二维的， 雕塑和建筑的 空间则是三 维的，所以它们呈现空间的 方式就不同。尤其是绘画要 在二维的平面 上表现出三 维的感觉，以给人造成真实 的幻觉（所以写实绘画又称 “幻觉艺术”）。但这样，绘 画也可以利用 这种特点来 建立多维的空间，而且不同 类型的艺术创 造空间的方 式也不同。但不管怎样，它 们都是使用同 样的手段 明暗、透视、色彩等。 透视 透视是表现空 间的一个重 要手段，其目的是要在一个 相对独立的环 境中把对象 “合理”地表现出来。但在 不同的文化下 对透视的认 识也是不同的。西方自文艺 复兴开始就以 科学的态度 来认识和研究透视，形成了 自己的透视观。它表现透视 的方法一是几何透视，即利 用形体的几何 形变化来形 成透视空间； 二是视觉透 视，即利用事物的浓淡和色 彩冷暖变化来 产生空间透 视的感觉；三是焦点透视， 即利用事物向 一个中心聚 焦的办法产生透视空间。而 中国的办法就不同，中国艺 术采用移

6、动的视点，因而形 成了所谓的“散点透视”， 即不同事物同 时出现在同 一画面之中，通过其相互关 系形成透视空间。 构图 构图就是按照 艺术家的需 要把一些形象安排在一起， 使之形成有机的联系，以表 达艺术家的某种意图。但是 这种“安排”不是任意的， 而是有规则的。在西方，自 文艺复兴时期开始就有许 多艺术家和学者对美术中 的构图进行系统研究，形成 了一门构图学，专门研究构 图对于形象呈现的作用。在 中国，20 世纪以来也逐步建 立起对构图的研究工作，尤 其是对中国传统美术中的 构图的研究，形成了一批突 出的成果。肌理 是造型艺术特有的美感特 征，因所用工具或材料的不 同而表现出不同的感觉。例 如油画和中国画的肌理就 因为使用了不同的工具和 材料而不同。另外在许多当 代艺术作品中已有对现实 中的各种材料的大量使用， 就形成了各种肌理效果。它 之成为美术的语言之一，就 在于不同工具和材料所表 现出来的美感特征已成为 艺术家进行各种情感和观 念表达的重要组成部分之 一。具象 从字面上说，所谓“具象” 就是有具体的形象，但这样 解释并不确切。在英语中， “具象艺术”被表述为 figurativ

7、e art,意思是“比喻 的艺术”或“用图形表现的 艺术”，这表明“具象艺术” 就是用和我们所见到的事 物相类似的图形来代替或 比喻这些客观事物。显然， 这种图形不是空想出来的， 它必须是来自于客观事物 本身，它的目的是要让我们 看出它所代替或比喻的那 个事物。为了做到这一点， 具象艺术采取了模仿的办 法，并且为了使模仿成功又 创造出一系列诸如透视、解 剖、明暗、比例等方法，这 样，具象艺术就成为一种艺 术家尽量放弃自身去接近 客观事物的艺术了，这是“具象艺术”的最初或者说 最本源的意思。至于以后， 就有了各种各样的具象艺 术。意象 从字面上说，所谓“意象” 即“意欲之象”、“意念之象”， 或者说“主观之象”，就是艺 术家所感觉到的或想要表达 的事物的样子，这两个方面 基本上可以让我们去观看或 鉴别所有的“意象艺术”了。 从这方面说，意象艺术家就 不是尽量放弃自己去接近或 模仿客观事物，恰恰相反， 他要与客观对象保持相当的 距离，因为只有在一定的距 离上他才能独立于他所表现 的对象，并产生他自己的“意 象”。但从此可以看出，意象 艺术的前提还是依赖于客观 对象的，这一点和抽象艺术 就不

8、同。抽象所谓“抽象”是与“具象” 相对而言的，一般人按照字 面的意思去理解，以为抽象 就是把具体可感的客观形象 抽去，事实并非完全如此， 因为抽象艺术中有的是对客 观形象的简化和抽离，而有 的则与客观形象完全无关。 所以有人认为“抽象艺术” 这个概念并不准确，他们就 从抽象艺术与具象艺术相对 的角度出发称抽象 艺术为 “ 非 具 象 艺 术 ” (non-figurative art) 或“非 客 观 艺 术 ”( non-objective art)。不过出于习惯，人们仍 将不表现任何客观形象的艺 术统称为抽象艺术。 变形与夸张 它们都是艺术的创作手法或 手段。变形来自拉丁文，意 思是歪曲，后来成为一种艺 术表现的手法，意思是艺术 家在表现对象时有意或无意 地改变对象的自然形态，以 符合自己的创作所要表达的 目的。在这个意义上它与夸 张有相同的一面，区别在于， 夸张是对事物形貌的扩大或 缩小性描写，而变形却往往 使描写对象发生极度扭曲或 异变。产生这种现象的原因 是：(1)由于艺术家个人心理、 生理及文化等因素的制约， 对客观事物的感知就会有所 差异或改变；(2)艺术家对感 性材料的

9、艺术加工，受其主 观意识和情绪活动的影响； (3)艺术家将心灵意象外化为 艺术形象时由于媒介和手段 等原因而产生。构成 简单地说，构成就是把事物 组合到一起，形成一种有组 织、有结构的关系，但它常 常与“构成主义”联系在一 起 。 构 成 主 义(Constructivism)是 20 世纪 重要的美术流派之一，有广 义和狭义两个方面。广义而 言，它是由英国美学家里德 提出的一个雕塑美学概念。 法国雕塑家罗丹( Francois A. R. Rodin， 18401917)曾经 认为，世界可以分为“可知 世界”和“不可知世界”两 部分，每一件艺术作品都应 该包含有后一种成分。里德 继承了罗丹的这一 艺术理 论，把现代雕塑分为两种基 本类型，一种是“构成主义” 的，另一种是“有机的”。“构 成主义”主要凭借工业上使 用的原材料如金属、塑料、 玻璃等，构成各种几何形式， 以表现雕塑艺术的形式美。 然而，里德又认为，实际上， 在艺术欣赏中我们又分不清 一件艺术品究竟是属于“构 成的”还是“有机的”，因此， 只能求助于精神分析学的“集体无意识”理论来加以 分析。这种以“构成主义” 的概念来描述某种艺术类型 的作法后来被广泛应用于对 其他艺术的表述。而狭义的 则专指发生于 20 世纪初的 俄国，以塔特林( Vladimir Tatlin， 18851953)和嘉博( Naum Gabo ，1890 1977 )、佩夫斯纳( Antoine Pevsner， 18841962)兄弟 等人为代表的一个流派。 但是到20世纪之后，“雕” 与“塑”或“加”与“减” 的观念已不能 适应艺术的 要求，或者说，人们开始从 新的角度去看待这些概念， 这就是“构成”观念的形成。 在这种观念下，雕塑已变成 各种木头、金属、玻璃或塑 料构件等材料的组合或“构 成”关系，这为当代雕塑以 至当代艺术开 拓了无限的 空间。从对材料的利用的角 度看，立体主义在绘画中的 实验预示了这 样的必然结 果。在 1912 年毕加索就设 计了一个用纸 和绳子制成 的三度立体主义构成，同一 年他又为另一 个构成绘制 了素描。 1912 年他的吉他 和 1914 年的乐器，就是 用金属片或木 头制作的构 成，形象是立体主义的

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