读书笔记：艺术的故事 贡布里希

读书笔记5： 艺术的故事——贡布里希 《艺术的故事》这本书由范景中先生翻译而来，本书意在向读者介绍西方艺术的历程和发展，其中引用了大量的图片配合浅显易懂的文字来讲述艺术的故事，是一本关于西方艺术史的百科全书。 书中提到的一些观点既有趣也很有用，借此机会整理了其中我认为比较重要的一些部分写成了下面的笔记内容： 一、重新审视自己的固化思维： 如果我们看到一幅画画的不够正确，那么不要忘记有两个问题应该反躬自问。一是艺术家是否无端地更改了他所看见的事物的外形；二是除非我们已经证明我们的看法正确而画家不对，否则就不能指责一幅画画的不正确。而应该：抛弃传统的固化思维，重新观看世界。 在欣赏伟大的艺术作品时，最大的障碍就是不肯摒弃陋习和偏见。用未曾想到的方式去画熟悉的题材往往会遭到责难，然而最振振有词的指责也不过是它看起来不对头而已，这些人坚信背离传统的形状和表现形式就是亵渎神明。而事实上，往往是那些最虔诚、最专心的艺术家才试图在脑海中构思神圣事迹的崭新画面，竭力的用崭新的眼光去审视着这个世界。 二、不要为了艺术而艺术： 现如今的美术馆和博物馆中陈列的绘画和雕塑当初大都不是有意作为艺术来展出的，他们是为特定的场合和目的而创作的，但是圈外人为之焦虑的那些观念（美和表现的观念），艺术家却很少提及。部分原因在于：艺术家往往腼腆害羞，说“美”这类的大话觉得不好意思，但如果谈到“表现他们的感情”等类似的说法，就会觉得自命不凡；另一个因素在于：艺术家在作画时考虑更多的是某处处理的是否“合适”，在事关协调形状和颜色时，会极端的挑剔，增一分少一分就会破坏画面的平衡与美感。以拉斐尔的《草地上的圣母》为例，观看他的速写稿就能发现，他反复尝试追求的是人物之间的某种平衡和使整个画面达到极端和谐的合适的关系，通过努力探索最终获得的构图显得那么自然和谐，圣母看起来更加美丽，孩子们也更加可爱。 三、我们为什么要熟悉艺术史： 纵观美术史，在某些时期，确实有一些艺术家或批评家曾经想方设法的总结他们的艺术法则；然而关于那些法则，事实总是证明，低手庸才试图循规蹈矩但却一无所获，而真正的艺术大师离经叛道却能获得一种前所未闻的新的和谐。 艺术史包括绘画史、建筑史、雕塑史。对这个历史有所了解可以帮助我们理解为什么艺术家要使用某种特殊的创作方式，或者为什么他们要追求某些艺术效果。这是一种很好的途径，能使我们对艺术作品的独特性质保持敏锐的眼光，从而提高我们对细微差异的感受能力。要想学会怎样欣赏艺术作品的独特价值，这是一条必由之路。 整个艺术发展史不是技术熟练程度的发展史，而是观念和要求的变化史。在这里，作者强调的是从古至今艺术的变化并非从简单到“复杂”、从落后到先进的“发展”变化，而仅仅是不同时代、不同社会、不同民族对艺术的观念和要求的变化。 四、中西方艺术的根本区别： 西方艺术在漫长的一段时间内似乎并不像中国艺术那样强调抒发艺术家的情感，更多的只是艺术家在完成某件任务而已（宗教、国王、贵族、商人们交给艺术家的任务）艺术家通过学习前人的技艺，加上自己的摸索创新，从而赢得名声而成为伟大的艺术家，其地位的提升还只是后来的事。 在中国传统艺术中当然也有这样的工匠所做出的精美艺术品，当然，仅被称为是手工艺品而已，如陶瓷、木雕等。这些手工艺品与文人书画相比根本不能称之为艺术。显然，中国的书画艺术更多的是艺术家在其作品中抒发自己的思想感情。 五、总结： 整个西方艺术的故事似乎就是一部艺术家表现自然的方法变化的故事。埃及人表现艺术是尽可能保留全部和长久，所以他们的规则就是把自己认为重要的东西表现出来，而不是偶然看自然时的样子。希腊人学习了埃及的这种方法，并有所突破，学会了表现从某个角度看事物的样子，发明了短缩法。到后来，文艺复兴时期，通过人体解剖和研究自然，发明了透视法，艺术家表现自然的方法发生着改变。印象主义又开始强调在室外光与影的交织下事物给人的印象；后来的立体主义和抽象表现主义也都有他们各自的表现自然的观念。 作者在书的开头和结尾都强调了“实际上没有艺术其物，只有艺术家”这一概念，我非常认同该说法。每个时代都有自己的艺术，以前并非是艺术的东西我们现在看做是艺术，或许我们现在不认为是艺术的东西在以后就被称为是艺术。所以，艺术并非是一个非常确定的具体物，而艺术家才是制作这些东西的人。 通过看这本书，可以对西方艺术的发展变化有更加清晰的认识。这本书也值得我们反复阅读。