读书笔记：不是天才：当代艺术家们的故事

读书笔记2： 不是天才：当代艺术家们的故事——苏也 本书是一部讲解当代艺术的作品，当代艺术究竟是什么？有什么意义？有哪些作用？在这本书中我们都能找寻到属于自己的答案，本书作者苏也以直观的理解和深入浅出的语言来引发人们对当代艺术的深度思考。 当今社会，有些艺术家为了快速获取成功，其作品似乎变得有些“哗众取宠”。然而，当代艺术在本质上和之前出现的所有艺术一样，其成功与否的标准是不变的。真正伟大的艺术，经得起反复推敲和时间的考验。它们是否在材料、形式和概念上展现了艺术家的独特思考？是否给所处的时代提出了有趣的问题？是否引发了观众的共鸣或反思？这些问题才是考验一件艺术作品的关键，而不单是它的视觉冲击力、艺术家知名度和作品的拍卖价格。 第一大特性：当代艺术的价值=“美学价值”＋“市场价值”双重标准来综合考虑。艺术的价值≠艺术品的市场价格，每一个作品都应该从“美学价值”和“市场价值”两个方面来考量。艺术市场和艺术史有自己的一套评价标准，但每一个观众自己的体验、思考与感悟才是从人类情感和记忆延续的层面赋予了某件艺术作品最根本的生命力。 第二大特性：当代艺术正在发生并持续改变着，具有多变性。 当代艺术：泛指我们所处时代的艺术。这意味着当代艺术家和观众体验着同样的时代和世界，艺术家感受着这飞速变化的社会的同时，其情绪和心理还处于自我成长的阶段，因而其作品和风格也自然会随之改变。一方面，艺术家本身在不断地吸收和学习；另一方面，艺术观众则更需要时间、耐心和经验来接受这种改变。 一个成功的艺术家，会在作品中反映出他对所处时代的思考和质疑，懂得如何用现代生活的优势去展示和传播其作品，来让更多人看到，从而引发更多的思考，以此来扩大艺术的力量，融入人们的日常生活。 审美活动是极为主观而个性的，正如艺术家拥有自由的表达权利一样，对一件艺术品的评判并没有可以被拿来度量和计算的方法。在一件艺术作品面前人人平等，艺术史专家和批评家们的观点也并非是绝对的真理。即便现在很多人都无法理解当代艺术的价值，但这并不能否认它存在的意义。艺术创作有时和科学发现是一样的，具有超前性。如：杜尚在《杜尚访谈录》中阐述的“反视网膜”观念，这使得杜尚的艺术创作最后脱离绘画转向观念艺术和装置艺术，其出发点就是追求艺术服务大脑，而非服务视网膜的审美功能。 通过对本书的阅读，对于以下问题也做了一些概括整理。 问题一、当代艺术需要被理解吗？ 有句话说：“任何你在美术馆里看到的艺术作品，都有它存在的意义；它要么是表达了一个全新的思想，要么是把某个思想以一种前所未有的方式表达了出来”。艺术的作用力是以一种不被人们看到的方式而存在的，它们就像是艺术家以隐蔽的方式来庆祝一种人文精神的胜利，只存在和属于一个精神的维度。这种抽象性很难用语言去传递，艺术的表达和理解也有其特殊的一面，依赖于自己的独特语言。 当代艺术中，雕塑、建筑、影音、音乐等都逐渐成了艺术家表达观点的新媒介，展览馆中的艺术品可以是一种视觉效果、一段旋律、一个互动装置。虽然艺术材料和创作媒介的不断丰富是件好事，但这也会给崇拜传统艺术的观众带来陌生的体验和审美距离，让那些还不熟悉当代艺术语言的观众感到不适。 相较于之前的艺术作品而言，当代艺术常给人一种“看不懂”的感觉。的确，无论是内容还是形式上，当代艺术都属于一种现代意识的实验，它是主观的，是艺术家对我们所处时代的一种视觉表达和情感回应。传统大师：描绘了一个我们已知的世界；当代艺术：正在探索未知的世界/用我们还不熟悉的语言去描述它。 就和掌握一门外语一样，要想真正看懂当代艺术，也需要学习和历练。对于了解一件艺术作品而言，明白它的上下文至关重要，也就是要熟悉掌握我们常说的艺术发展史。在听到立体主义、达达主义、现成品、抽象表现主义、至上主义等重要流派专属名词时，能立刻明白它们指的是什么，并且脑海中浮现出对应的艺术家作品图像。这是理解当代艺术的第一步也是最基础的一步，其次，不断地练习和体验更是审美活动进步的唯一途径。 问题二、艺术究竟服务于谁？ 生活中的很多东西是一目了然的，如桌椅板凳，直接告诉了我们它的功能与用途。但面对艺术这个词，其实我们很少会真的去追问艺术是什么？它的功能是什么？它的作用和意义在哪里？ 回看历史，在长达几千年的时间里，艺术作为一种传播工具，它的出现是服务于宗教的，其主要功能在于教化民众。后来又服务于政治，被王公贵族所差使，而处于雇佣关系下的艺术家，则想尽办法歌颂权利主体，美化其形象。直到今天，艺术也很容易变成一种政治意识的宣传工具。19世纪后，新兴中产阶级登上历史舞台，他们在衣食无忧后开始追求自身精神世界。再后来，批判精神则成了现代艺术的核心。 如果说文艺复兴和启蒙运动教会了人类如何变得有尊严、有道德、有情操，那么现代主义运动则教会了人类如何思考。从诗歌到戏剧，从音乐到绘画，现代主义艺术家对新事物、新语言、新思想的追求到达了一种痴迷和疯癫的状态。他们认为，只要是原创的、前所未有的新东西，就是有价值的，特别强调一件作品的原创性，一种艺术形式的创新。 就这样，艺术开始一步步走出宗教和政治的统治。一方面，艺术家开始自觉地实现着自我解放、自我推翻和自我创新；另一方面，新出现的画廊业也为这种自由职业提供了市场条件和经济扶持。创作逐渐成了一种自我表达的方式。此后，艺术可以不服务于宗教、政治、权贵、客户，而只服务于自身。 问题三、当纽约成为世界艺术之都后，发生了什么变化？ 对于只有百余年国家历史的美国人来说，20世纪初现代主义呈现出的新艺术、新形式、新语言，则成了让他们兴奋不已的文化景观。美国以一种看起来不可思议的速度，迅速地接受了现代艺术，纽约也逐渐成了世界艺术中心。 二战后的世界百废待兴，人们在精神上陷入了一种自我怀疑和否定。学者和哲学家开始反思现代主义，战后思潮逐步进入到了后现代主义的阶段，艺术家们也开始重新审视人类的精神世界。一些格外大胆和自由的艺术逐渐开始显现出来，最突出的便是美国人引以为傲的美国抽象表现主义（细分为：“行动派绘画”和“色域派绘画”），这种只强调绘画意识和绘画行为的作品逐渐开始盛行。而抽象表现主义的全面胜利也让二战之后的人类艺术出现了一个巨大的改变——艺术的抽象化，这也成为了人们看不懂当代艺术的一个主要原因。 这种只表现艺术意识和行为的作品越来越让人难以理解，20世纪60年代出现的波普艺术本质上就是在抵抗反对这种抽象艺术的绝对霸主地位。沃霍尔把人人都看得懂的商品直接画到自己的作品里，甚至用丝网印刷这样的工业生产方式去完成绘画，其核心思想就是反对抽象表现主义体现的精英阶级的艺术形式。而现今，这两种代表了不同理念的艺术风格已经得到了全世界观众的认可。 问题四、在当代艺术中，如何控制日常和抽象在作品中的比重？ 这个问题的答案直接关系到艺术作品与观众之间的共鸣来源，也成为我们理解当代艺术创作的关键因素。艺术家内部也一直在日常和抽象之间探寻着一种平衡关系。 在一件作品中找到它“抽象”的一面，再去发掘它和“日常”相连的地方，无论是颜色、形式、尺寸、材料还是展示空间，一件当代艺术作品总会勾起我们的联想。因此，快速阅读当代艺术的一种方法，就是去寻找这些艺术家创作构思时的蛛丝马迹。例如：在表现抽象精神的创作中，艺术家是否采用了全新的材料和语言？是否记录了一种创作艺术的过程和态度？这个记录的痕迹与结果是否给我们带来了视觉和情感上的一些冲击？从“相同之处”反思“不同感觉”，找寻其中话题内容的不同和占比分配。 总结： 20世纪艺术创作的一大特征：是对于当下生活经验的记录，也是作为一种艺术现代性的具体表现。艺术家不仅要记录新的时代，更要使用新的技术、新的语言、新的手段去表达和再现我们生活的世界。因此，我们所处时代的艺术，包括绘画、雕塑、摄影、装置、行为和新媒体艺术等等，都是新时代里艺术家们对于自身感受及一种充满创新的记录和表达。可以说，当代艺术在精神上挑战着传统艺术的边界，记录着艺术家对于当下的感受，也在质疑着我们所生活的世界。 当代艺术是一个现在进行时的状态，是一种材料、方法、概念和主题的动态结合，它既是一种艺术结果，也是一种艺术的产生方式。当代艺术就像一个万花筒，我们可以透过每一个艺术家提供的一个切面去重新观看审视我们所生活的世界。 我认为，当代艺术最为珍贵的一点是：它成了文化对话的一部分。每个作品背后都涉及更大的背景框架，而作品本身又是十分具体的，在内容和情感上直接讨论切合实际的问题。